阿道夫·戈特利布
Adolph Gottlieb
艺术家名：阿道夫·戈特利布（Adolph Gottlieb）
生卒日期： 1903年3月14日 - 1974年3月4日
国籍：美国
阿道夫·戈特利布的全部作品（12）
阿道夫·戈特利布（Adolph Gottlieb）是一位美国抽象表现主义画家，他也创作雕塑并成为版画画家。
早年生活和教育
戈特利布是抽象表现主义“第一代”艺术家之一，1903 年出生于纽约市，父母都是犹太人。1920 年至 1921 年，他就读于纽约艺术学生联盟，之后，他立志成为一名艺术家，17 岁的他高中毕业，乘商船前往欧洲打工。他在法国和德国旅行了一年。他在巴黎住了六个月，期间他每天都去卢浮宫博物馆，并在法国大茅屋学院旁听课程。第二年，他游历了德国、奥地利、捷克斯洛伐克和中欧其他地区，参观了博物馆和美术馆。回国后，他成为了游历最多的纽约艺术家之一。回到纽约后，他在纽约艺术学生联盟（Art Students League of New York）、帕森斯设计学院（ Parsons School of Design）、库伯联盟（Cooper Union）和教育联盟（Educational Alliance）学习。
20年代和30年代
1930 年，戈特利布在纽约杜登辛画廊（Dudensing Galleries）举办了首次个展。20 世纪 20 年代和 30 年代初，他与Barnett Newman、马克·罗斯科、David Smith、米尔顿·艾弗里和约翰·格雷厄姆（John D. Graham）等艺术家结下了终生友谊。1935 年，他与本·锡安（Ben-Zion）、Joseph Solman、伊利亚·波洛托夫斯基（Ilya Bolotowsky）、拉尔夫·罗森伯格（Ralph Rosenborg）、路易斯·哈里斯（Louis Harris）、马克·罗斯科和路易斯·尚克（Louis Schanker）等一批被称为“十人组”的艺术家一起展出作品，直到 1940 年。
在那段时间里，戈特利布靠各种兼职工作谋生，并于 1936 年参与了联邦艺术计划。从 1937 年 9 月到 1938 年 6 月，戈特利布住在图森郊外的亚利桑那沙漠。在那九个月里，他彻底改变了自己的绘画方法。他从表现主义现实主义风格转变为一种结合超现实主义和形式主义抽象元素的方法，使用当地环境中的物体和场景作为符号，从他的作品中去除时间性。他从这种风格转变为创作更具超现实主义风格的作品，例如《海底宝箱》（Sea Chest），这幅作品在原本正常的风景上展现了神秘的不协调。
在这里，他向观者传达了他仰望亚利桑那沙漠天空时一定感受到的广阔感，尽管他将这种广阔感提炼为更基本的抽象形式：“我想我当时的情感就像置身于大海……然后是无比清晰——在亚利桑那州，光线无比清晰，夜晚的云朵似乎非常近。” 戈特利布回国后，这些亚利桑那作品在纽约展出，与他之前的同事圈子产生了分歧，其中几位同事谴责他的新作品“太抽象”。
40年代至50年代
戈特利布和一小群朋友非常看重他们在 20 世纪 30 年代在纽约看到的超现实主义艺术家的作品。他们还交换《艺术手册》（Cahiers d'art）杂志的副本，并且非常熟悉当前关于自动书写和潜意识意象的想法。戈特利布在 1940 年和 1941 年创作了几幅超现实主义风格的作品。他的实验结果体现在他从 1941 年到 1950 年的“象形文字”系列中。在他的画作《航海者归来》（Voyager's Return） 中，他将这些图像并列在分隔的空间中。他的图像看起来与北美和古代近东的土著居民的图像相似。如果他发现他的一个符号不是原创的，他就不再使用它。
1941 年，他对周围的艺术感到失望，于是开发了一种他称之为“象形文字”的绘画方法。戈特利布的象形文字创作于 1941 年至 1954 年间，是他这一代美国人创作的第一批连贯而成熟的绘画作品之一。
戈特利布在 1947 年的一份声明中谈到了他对绘画的担忧：
艺术家的角色一直是形象塑造者。不同的时代需要不同的形象。今天，当我们的愿望沦为绝望地试图逃离邪恶，时代脱节时，我们强迫性的、隐秘的和象形的形象就是我们现实中的神经质的表现。在我看来，某些所谓的抽象根本不是抽象。相反，它是我们时代的现实主义。
1942 年 5 月，他的第一幅“象形文字”（pictograph）在纽约威尔登斯坦画廊（Wildenstein Galleries）举办的现代画家和雕塑家联合会第二届年度展览上展出 。 在他的《象形文字》中，他介绍了一种新的抽象方法，其中包括从他的潜意识中提取的图像，但明显偏离了叙事的概念。为了实现这个目标，戈特利布展示了插入到松散绘制的网格部分中的图像。每个图像都独立于其他图像存在，但它们在同一平面上的排列，以及颜色、纹理和形状的关系，让观看者能够与它们产生关联。因此，意义是非常个人化的——这是戈特利布基于超现实主义 生物形态的象形文字绘画的另一项创新。对戈特利布来说，生物形态是一种自由表达潜意识的方式，他通过约翰·格雷厄姆、西格蒙德·弗洛伊德和超现实主义对潜意识着迷。戈特利布还融入了自动化——弗洛伊德 自由联想的绘画技巧——这是戈特利布用来生成生物形态的方法，这些生物形态是他在潜意识中自发构思的形式 。这些生物形态被遍布的网格图案分隔开来，这构成了“象形文字”系列的整体结构。
戈特利布曾说过：“如果我画了一条蜿蜒的线或蛇形线，那是因为我想要一条蛇形线。后来它会让人联想到一条蛇，但当我画出来时，它什么也没有。它纯粹是一种形状……”。戈特利布使用的这些线条和形状很容易被不同的人解读成不同的东西。
到 1950 年，戈特利布发现“满幅画”（all-over painting）方法已成为美国抽象绘画的陈词滥调。他开始创作新的《想象中的风景》（Imaginary Landscapes）系列，其中他保留了“伪语言”（pseudo-language）的使用，但添加了新的空间元素。他不是在传统意义上画风景，而是修改了该流派以符合自己的绘画风格。《想象中的风景》是水平画布，分为两个区域，一个非常活跃的下方，一个更加沉思的上方，在 20 世纪中叶建立了一种不同的抽象方法。1955 年，戈特利布评论道：我经常听到这样的问题：“这些图像意味着什么？” 这完全是错误的问题。视觉图像不必符合语言思维或光学事实。更好的问题是“这些图像传达了任何情感真相吗？”
1956 年末，戈特利布创作了后来被称为“爆发”的画作，并在接下来的两年中大部分时间都在研究这种方法。他将自己的表现形式简化为两个圆盘形状和蜿蜒的物体。他的画作是这些元素以不同方式排列的变体。这个系列与想象中的风景系列不同，它描绘的是一幅有太阳和地面的基本风景。在另一个层面上，这些形状是如此简陋；它们并不局限于这一种解释。
他也是一位色彩大师，在《爆发》（Burst）系列中，他对色彩的运用尤为关键。他被认为是最早的色域画家之一，也是抒情抽象派的先驱之一。
60至70年代
到 1960 年，戈特利布在“爆发”系列上的努力使他能够大大简化对图像的使用。在他的职业生涯的剩余时间里，他创作了“爆发”和“想象中的风景”类型的画作，但与他的一些同事不同，他并没有将自己限制在一两幅图像上。对戈特利布艺术的讨论通常仅限于提及“爆发”或“想象中的风景”，这有损于这位艺术家所研究的广泛思想。戈特利布在 1967 年的一次采访中总结了他的目标：
但对我而言，一切都是自然，包括我的所有感觉，或者梦境。一切都是自然的一部分。甚至绘画也成为了自然的一部分。进一步澄清一下：我对我的作品没有意识形态或教条主义的态度。我只是根据我的个人感受、我的反应和本能来绘画。我必须相信这些。
这一时期的代表性画作被收藏于纽约州奥尔巴尼州长纳尔逊·洛克菲勒帝国大厦广场艺术收藏中。
1967 年，当戈特利布为惠特尼和古根海姆博物馆的展览做准备时，他开始用切割和上色的纸板制作雕塑的小模型，他说，这让他感觉自己像“一个刚刚起步的年轻雕塑家”。 这些小雕塑演变成用切割、焊接和上色的钢和铝制成的大型作品。他涉足雕塑领域只持续了大约一年半，但在这短暂的时间里，他创作了大量挑战绘画和雕塑之间界限的作品。与他的朋友雕塑家大卫·史密斯相似，戈特利布的画家背景使他无法想象没有颜色的物体。一旦接受了这一点，他就被迫使用他在漫长的绘画生涯中开发的所有工具——触觉、视觉平衡、表面质量等等——来使他的雕塑像他的画作一样成为“表达情感的载体……我觉得有必要让我使用的特定颜色或特定的形状承载我想要表达的一切，而所有这些都必须集中在这几个元素中。” 戈特利布总共创作了 42 件雕塑，其中包括三件大型户外作品，目前收藏于华盛顿特区的国家美术馆、纽约州新温莎的风暴国王艺术中心和纽约大都会艺术博物馆。
戈特利布在整个 20 世纪 60 年代一直很活跃。1963 年，他成为第一位获得巴西圣保罗双年展大奖的美国艺术家。1965 年，他获得了美国成就学院的金盘奖。 1968 年，纽约古根海姆博物馆和惠特尼博物馆合作举办了他的艺术回顾展，两家博物馆都挤满了人。迄今为止，这仍然是这两家主要机构之间唯一的合作项目。
生涯亮点
戈特利布举办过 56 场个人画展，参加过 200 多次联展。他的作品被全球 140 多家大型博物馆收藏。戈特利布是一位多才多艺的画家、制图师、版画家和雕塑家。1954 年，他为纽约市米尔顿·斯坦伯格中心设计并监督建造了 1500 平方英尺的彩色玻璃幕墙，并为布鲁克林的金斯威犹太中心设计了一套 18 扇彩色玻璃窗。他是同代人中第一个被纽约现代艺术博物馆(1946 年) 和古根海姆博物馆(1948 年) 收藏艺术品的人。
戈特利布的作品被美国许多博物馆机构永久收藏，例如，他 1947 年的作品《祭坛》（Altar）被佛罗里达州迈阿密佩雷斯艺术博物馆（Pérez Art Museum Miami）永久收藏。
逝世与杰作
1970 年，戈特利布中风，导致他除了右臂和右手外全身瘫痪。他继续绘画并展出自己的艺术作品，直到 1974 年 3 月去世。他的葬礼于 1974 年 3 月 6 日在弗兰克·E·坎贝尔（Frank E. Campbell ）殡仪馆举行，他被安葬在纽约州霍桑的普莱森特山公墓（Mt. Pleasant Cemetery）。 1972 年，他被选入美国艺术与文学学院（ American Academy of Arts and Letters）。
戈特利布一生都在为艺术家的专业地位而奋斗。20 世纪 40 年代和 50 年代，他帮助组织了“49 号论坛”以及纽约和普罗文斯敦的其他艺术家主导的活动和研讨会。1950 年，他是抗议大都会艺术博物馆的主要组织者，这使他和他的同事获得了“暴躁者”的称号。根据他的遗嘱指示，阿道夫和埃丝特·戈特利布基金会于 1976 年成立，为视觉艺术家提供资助。
生卒日期： 1903年3月14日 - 1974年3月4日
国籍：美国
阿道夫·戈特利布的全部作品（12）
阿道夫·戈特利布（Adolph Gottlieb）是一位美国抽象表现主义画家，他也创作雕塑并成为版画画家。
早年生活和教育
戈特利布是抽象表现主义“第一代”艺术家之一，1903 年出生于纽约市，父母都是犹太人。1920 年至 1921 年，他就读于纽约艺术学生联盟，之后，他立志成为一名艺术家，17 岁的他高中毕业，乘商船前往欧洲打工。他在法国和德国旅行了一年。他在巴黎住了六个月，期间他每天都去卢浮宫博物馆，并在法国大茅屋学院旁听课程。第二年，他游历了德国、奥地利、捷克斯洛伐克和中欧其他地区，参观了博物馆和美术馆。回国后，他成为了游历最多的纽约艺术家之一。回到纽约后，他在纽约艺术学生联盟（Art Students League of New York）、帕森斯设计学院（ Parsons School of Design）、库伯联盟（Cooper Union）和教育联盟（Educational Alliance）学习。
20年代和30年代
1930 年，戈特利布在纽约杜登辛画廊（Dudensing Galleries）举办了首次个展。20 世纪 20 年代和 30 年代初，他与Barnett Newman、马克·罗斯科、David Smith、米尔顿·艾弗里和约翰·格雷厄姆（John D. Graham）等艺术家结下了终生友谊。1935 年，他与本·锡安（Ben-Zion）、Joseph Solman、伊利亚·波洛托夫斯基（Ilya Bolotowsky）、拉尔夫·罗森伯格（Ralph Rosenborg）、路易斯·哈里斯（Louis Harris）、马克·罗斯科和路易斯·尚克（Louis Schanker）等一批被称为“十人组”的艺术家一起展出作品，直到 1940 年。
在那段时间里，戈特利布靠各种兼职工作谋生，并于 1936 年参与了联邦艺术计划。从 1937 年 9 月到 1938 年 6 月，戈特利布住在图森郊外的亚利桑那沙漠。在那九个月里，他彻底改变了自己的绘画方法。他从表现主义现实主义风格转变为一种结合超现实主义和形式主义抽象元素的方法，使用当地环境中的物体和场景作为符号，从他的作品中去除时间性。他从这种风格转变为创作更具超现实主义风格的作品，例如《海底宝箱》（Sea Chest），这幅作品在原本正常的风景上展现了神秘的不协调。
在这里，他向观者传达了他仰望亚利桑那沙漠天空时一定感受到的广阔感，尽管他将这种广阔感提炼为更基本的抽象形式：“我想我当时的情感就像置身于大海……然后是无比清晰——在亚利桑那州，光线无比清晰，夜晚的云朵似乎非常近。” 戈特利布回国后，这些亚利桑那作品在纽约展出，与他之前的同事圈子产生了分歧，其中几位同事谴责他的新作品“太抽象”。
40年代至50年代
戈特利布和一小群朋友非常看重他们在 20 世纪 30 年代在纽约看到的超现实主义艺术家的作品。他们还交换《艺术手册》（Cahiers d'art）杂志的副本，并且非常熟悉当前关于自动书写和潜意识意象的想法。戈特利布在 1940 年和 1941 年创作了几幅超现实主义风格的作品。他的实验结果体现在他从 1941 年到 1950 年的“象形文字”系列中。在他的画作《航海者归来》（Voyager's Return） 中，他将这些图像并列在分隔的空间中。他的图像看起来与北美和古代近东的土著居民的图像相似。如果他发现他的一个符号不是原创的，他就不再使用它。
1941 年，他对周围的艺术感到失望，于是开发了一种他称之为“象形文字”的绘画方法。戈特利布的象形文字创作于 1941 年至 1954 年间，是他这一代美国人创作的第一批连贯而成熟的绘画作品之一。
戈特利布在 1947 年的一份声明中谈到了他对绘画的担忧：
艺术家的角色一直是形象塑造者。不同的时代需要不同的形象。今天，当我们的愿望沦为绝望地试图逃离邪恶，时代脱节时，我们强迫性的、隐秘的和象形的形象就是我们现实中的神经质的表现。在我看来，某些所谓的抽象根本不是抽象。相反，它是我们时代的现实主义。
1942 年 5 月，他的第一幅“象形文字”（pictograph）在纽约威尔登斯坦画廊（Wildenstein Galleries）举办的现代画家和雕塑家联合会第二届年度展览上展出 。 在他的《象形文字》中，他介绍了一种新的抽象方法，其中包括从他的潜意识中提取的图像，但明显偏离了叙事的概念。为了实现这个目标，戈特利布展示了插入到松散绘制的网格部分中的图像。每个图像都独立于其他图像存在，但它们在同一平面上的排列，以及颜色、纹理和形状的关系，让观看者能够与它们产生关联。因此，意义是非常个人化的——这是戈特利布基于超现实主义 生物形态的象形文字绘画的另一项创新。对戈特利布来说，生物形态是一种自由表达潜意识的方式，他通过约翰·格雷厄姆、西格蒙德·弗洛伊德和超现实主义对潜意识着迷。戈特利布还融入了自动化——弗洛伊德 自由联想的绘画技巧——这是戈特利布用来生成生物形态的方法，这些生物形态是他在潜意识中自发构思的形式 。这些生物形态被遍布的网格图案分隔开来，这构成了“象形文字”系列的整体结构。
戈特利布曾说过：“如果我画了一条蜿蜒的线或蛇形线，那是因为我想要一条蛇形线。后来它会让人联想到一条蛇，但当我画出来时，它什么也没有。它纯粹是一种形状……”。戈特利布使用的这些线条和形状很容易被不同的人解读成不同的东西。
到 1950 年，戈特利布发现“满幅画”（all-over painting）方法已成为美国抽象绘画的陈词滥调。他开始创作新的《想象中的风景》（Imaginary Landscapes）系列，其中他保留了“伪语言”（pseudo-language）的使用，但添加了新的空间元素。他不是在传统意义上画风景，而是修改了该流派以符合自己的绘画风格。《想象中的风景》是水平画布，分为两个区域，一个非常活跃的下方，一个更加沉思的上方，在 20 世纪中叶建立了一种不同的抽象方法。1955 年，戈特利布评论道：我经常听到这样的问题：“这些图像意味着什么？” 这完全是错误的问题。视觉图像不必符合语言思维或光学事实。更好的问题是“这些图像传达了任何情感真相吗？”
1956 年末，戈特利布创作了后来被称为“爆发”的画作，并在接下来的两年中大部分时间都在研究这种方法。他将自己的表现形式简化为两个圆盘形状和蜿蜒的物体。他的画作是这些元素以不同方式排列的变体。这个系列与想象中的风景系列不同，它描绘的是一幅有太阳和地面的基本风景。在另一个层面上，这些形状是如此简陋；它们并不局限于这一种解释。
他也是一位色彩大师，在《爆发》（Burst）系列中，他对色彩的运用尤为关键。他被认为是最早的色域画家之一，也是抒情抽象派的先驱之一。
60至70年代
到 1960 年，戈特利布在“爆发”系列上的努力使他能够大大简化对图像的使用。在他的职业生涯的剩余时间里，他创作了“爆发”和“想象中的风景”类型的画作，但与他的一些同事不同，他并没有将自己限制在一两幅图像上。对戈特利布艺术的讨论通常仅限于提及“爆发”或“想象中的风景”，这有损于这位艺术家所研究的广泛思想。戈特利布在 1967 年的一次采访中总结了他的目标：
但对我而言，一切都是自然，包括我的所有感觉，或者梦境。一切都是自然的一部分。甚至绘画也成为了自然的一部分。进一步澄清一下：我对我的作品没有意识形态或教条主义的态度。我只是根据我的个人感受、我的反应和本能来绘画。我必须相信这些。
这一时期的代表性画作被收藏于纽约州奥尔巴尼州长纳尔逊·洛克菲勒帝国大厦广场艺术收藏中。
1967 年，当戈特利布为惠特尼和古根海姆博物馆的展览做准备时，他开始用切割和上色的纸板制作雕塑的小模型，他说，这让他感觉自己像“一个刚刚起步的年轻雕塑家”。 这些小雕塑演变成用切割、焊接和上色的钢和铝制成的大型作品。他涉足雕塑领域只持续了大约一年半，但在这短暂的时间里，他创作了大量挑战绘画和雕塑之间界限的作品。与他的朋友雕塑家大卫·史密斯相似，戈特利布的画家背景使他无法想象没有颜色的物体。一旦接受了这一点，他就被迫使用他在漫长的绘画生涯中开发的所有工具——触觉、视觉平衡、表面质量等等——来使他的雕塑像他的画作一样成为“表达情感的载体……我觉得有必要让我使用的特定颜色或特定的形状承载我想要表达的一切，而所有这些都必须集中在这几个元素中。” 戈特利布总共创作了 42 件雕塑，其中包括三件大型户外作品，目前收藏于华盛顿特区的国家美术馆、纽约州新温莎的风暴国王艺术中心和纽约大都会艺术博物馆。
戈特利布在整个 20 世纪 60 年代一直很活跃。1963 年，他成为第一位获得巴西圣保罗双年展大奖的美国艺术家。1965 年，他获得了美国成就学院的金盘奖。 1968 年，纽约古根海姆博物馆和惠特尼博物馆合作举办了他的艺术回顾展，两家博物馆都挤满了人。迄今为止，这仍然是这两家主要机构之间唯一的合作项目。
生涯亮点
戈特利布举办过 56 场个人画展，参加过 200 多次联展。他的作品被全球 140 多家大型博物馆收藏。戈特利布是一位多才多艺的画家、制图师、版画家和雕塑家。1954 年，他为纽约市米尔顿·斯坦伯格中心设计并监督建造了 1500 平方英尺的彩色玻璃幕墙，并为布鲁克林的金斯威犹太中心设计了一套 18 扇彩色玻璃窗。他是同代人中第一个被纽约现代艺术博物馆(1946 年) 和古根海姆博物馆(1948 年) 收藏艺术品的人。
戈特利布的作品被美国许多博物馆机构永久收藏，例如，他 1947 年的作品《祭坛》（Altar）被佛罗里达州迈阿密佩雷斯艺术博物馆（Pérez Art Museum Miami）永久收藏。
逝世与杰作
1970 年，戈特利布中风，导致他除了右臂和右手外全身瘫痪。他继续绘画并展出自己的艺术作品，直到 1974 年 3 月去世。他的葬礼于 1974 年 3 月 6 日在弗兰克·E·坎贝尔（Frank E. Campbell ）殡仪馆举行，他被安葬在纽约州霍桑的普莱森特山公墓（Mt. Pleasant Cemetery）。 1972 年，他被选入美国艺术与文学学院（ American Academy of Arts and Letters）。
戈特利布一生都在为艺术家的专业地位而奋斗。20 世纪 40 年代和 50 年代，他帮助组织了“49 号论坛”以及纽约和普罗文斯敦的其他艺术家主导的活动和研讨会。1950 年，他是抗议大都会艺术博物馆的主要组织者，这使他和他的同事获得了“暴躁者”的称号。根据他的遗嘱指示，阿道夫和埃丝特·戈特利布基金会于 1976 年成立，为视觉艺术家提供资助。
