弗洛琳·斯特蒂海默
Florine Stettheimer
艺术家名：弗洛琳·斯特蒂海默（Florine Stettheimer）
生卒日期： 1871年8月19日 - 1944年5月11日
国籍：美国
弗洛琳·斯特蒂海默的全部作品（65）
弗洛琳·斯特蒂海默（Florine Stettheimer）是一位美国 现代主义画家、女权主义者、戏剧设计师、诗人和沙龙女主人。
斯特蒂海默发展出一种女性化的戏剧化绘画风格，描绘她在纽约的朋友、家人和生活经历。她创作了第一幅女性主义裸体自画像，以及描绘种族和性取向争议的画作。她和她的姐妹们主持了一个沙龙，吸引了众多先锋派人士。 20世纪30年代中期，斯特蒂海默为格特鲁德·斯坦和维吉尔·汤姆森的先锋派歌剧《三幕四圣》设计了舞台布景和服装。她最著名的作品是四幅巨幅画作，描绘了她眼中的纽约“大教堂”：百老汇、华尔街、第五大道以及纽约的三大艺术博物馆。
斯特蒂海默生前曾在纽约和巴黎的40多个博物馆和沙龙举办过画展。1938年，纽约现代艺术博物馆将首个美国艺术展送往欧洲，斯特蒂海默和乔治亚·欧姬芙是仅有的两位参展的女性艺术家。 1944年斯特蒂海默去世后，她的朋友马塞尔·杜尚于1946年在纽约现代艺术博物馆策划了她的回顾展。这是该博物馆首次举办女性艺术家的回顾展。斯特蒂海默去世后，她的画作被捐赠给了美国各地的博物馆。除了大量的绘画作品、服装和舞台设计外，斯特蒂海默还为自己的画作设计定制画框和配套家具，并创作幽默诙谐、常常辛辣讽刺的诗歌。她的诗集《水晶之花》（Crystal Flowers）于1949年由她的妹妹埃蒂·斯特蒂海默私下出版，作为她的遗作。
早年生活和教育
弗洛琳·斯特蒂海默于1871年8月19日出生于纽约州罗切斯特。 她的母亲罗塞塔·沃尔特是纽约一个富裕的德裔犹太家庭的九个女儿之一。斯特蒂海默的父亲约瑟夫与罗塞塔·沃尔特育有五个孩子，但他抛弃家庭前往澳大利亚。斯特蒂海默在一个母系家庭中长大，成长于纽约市和欧洲之间。在斯特蒂海默十岁时，罗塞塔和她的五个孩子每年都会在欧洲居住一段时间。到19世纪90年代初，罗塞塔的两个孩子斯特拉和沃尔特已经结婚并离开了家。排行第二的卡罗琳（凯莉）、弗洛琳和最小的亨丽埃塔（埃蒂）与母亲建立了亲密的联系，直到她于1935年去世。
施特蒂海默自幼便展现出艺术天赋。1881年至1886年，在她十岁到十五岁期间，就读于斯图加特的普里泽学院（Priesersches Institut），这是一所女子寄宿学校。她师从校长索菲·冯·普里泽（Sophie von Prieser）学习艺术。1887年至1889年，施特蒂海默一家居住在柏林，在那里她继续接受私人绘画课程。 她经常与母亲凯莉（Carrie）和女儿埃蒂（Ettie）一起游历欧洲，通过参观意大利、法国、西班牙和德国的博物馆和美术馆自学艺术史。她研究古典大师的作品，并在日记中对他们的作品进行评论，同时继续学习酪蛋白等媒介的绘画技巧。
1892年，斯特蒂海默进入纽约艺术学生联盟（Art Students League ）学习，这是一所仿照巴黎私立艺术院校模式的四年制课程。 在德国期间，她学习了德国学院派绘画风格。在纽约艺术学生联盟，她师从肯扬·考克斯（Kenyon Cox）、哈里·西登斯·莫布雷（Harry Siddons Mowbray ）和詹姆斯·卡罗尔·贝克威斯（James Carroll Beckwith）等老师，他们都曾在巴黎学习过法国学院派绘画。 毕业时，她已精通两种主要欧洲风格的写实、传统、学院派肖像画和裸体画。
回到欧洲后，斯特蒂海默参观了博物馆藏品、当代沙龙展览和艺术家工作室。早在军械库展览（美国首个大型现代艺术展）举办数年前，她就欣赏到了立体主义画家、塞尚、马奈、梵高、莫里索和马蒂斯的作品。她尝试了各种媒介和风格，从象征主义和野兽派到点彩派，并取得了不同程度的成功，最终创作出一系列作品，这些作品让人联想起马蒂斯的《奢华、宁静与愉悦》。
早期歌剧舞台设计
1912年，谢尔盖·迪亚吉列夫的 俄罗斯芭蕾舞团在巴黎的演出对斯特蒂海默的绘画产生了关键影响。她被俄罗斯芭蕾舞团的舞台呈现和编舞深深吸引，并为自己创作了一部歌剧《四艺奥菲欧》（Orphée des Quat'z Arts ），包括剧本、服装和布景。她的剧本取材于一年一度的艺术学生舞会“四艺舞会”（ Bal des Quat'z'Arts）。最终的模型，其人物身着由精细缝制和珠饰材料制成的服装，展现出戏剧化、活跃、舞蹈般的动作和鲜明的个性，预示着她1917年成熟的绘画风格。在创作《四艺奥菲欧》的同时，她仍然创作传统的风景画和肖像画。
在《奥菲欧》中，许多女性形象都穿着一种新发明的透明材料：玻璃纸。玻璃纸的使用成为她室内设计的标志，并在二十年后，被用于歌剧《三幕四圣徒》的舞台布景。 《四艺奥菲欧》从未上演过。其剧本全文发表于传记作家芭芭拉·布洛明克的《弗洛琳·斯特蒂海默的生平与艺术》以及2010年再版的《水晶之花》中。
回到纽约，回到斯特蒂海默沙龙
1914年，第一次世界大战爆发，斯特蒂海默一家滞留在瑞士伯尔尼，最终乘船前往纽约。回到纽约港后，斯特蒂海默决定放弃传统的学院派训练，创造一种新的绘画风格，捕捉她看到20世纪纽约市的景象、声音和人物时所感受到的直接而富有表现力的情感。斯特蒂海默家的四位女性搬进了曼哈顿西76街的一间公寓，开始举办沙龙，邀请近期移居纽约的艺术家，如马塞尔·杜尚、阿尔伯特·格莱兹和弗朗西斯·皮卡比亚，以及阿尔弗雷德·斯蒂格利茨圈子的成员，如马斯登·哈特利和乔治亚·欧姬芙，还有其他音乐家、作家、诗人、舞蹈家和纽约前卫艺术界的成员。
斯特蒂海默沙龙的一个独特之处在于，尽管当时纽约非异性恋关系属于违法行为，但其众多同性恋、双性恋和女同性恋朋友和熟人无需像在其他沙龙（例如阿伦斯堡沙龙）那样在聚会上掩饰自己的性取向。 斯特蒂海默经常在沙龙上向朋友们预览她的最新画作，例如她的画作《晚会》（1917-1919），然后再将作品送去展览。斯特蒂海默的姐姐凯莉会为沙龙特制鸡尾酒和菜肴，例如羽毛汤。夏季，斯特蒂海默一家经常在租来的避暑别墅里为朋友们举办持续一整天的沙龙式派对。斯特蒂海默创作了许多描绘家人和朋友享受户外庆祝活动的画作，包括《乡村的星期天下午》（1917）。
成熟的绘画风格
斯特蒂海默一生只举办过一次个展，即1916年在克诺德勒画廊举办的展览。 展览由画家阿尔伯特·斯特纳的妻子玛丽·斯特纳策划，她是美国最早的女性画廊主之一。玛丽在克诺德勒画廊工作，并担任艺术家与画廊之间的中间人。展览展出了艺术家早期受马蒂斯影响的多幅作品，这些作品以明亮纯净的色彩、厚重的颜料堆积和粗犷的轮廓为特色。 由于作品全部售出，正如她的朋友、艺术评论家亨利·麦克布莱德所指出的那样，她“隐隐感到不满”。在接下来的一年里，斯特蒂海默的风格演变为一种独特的视觉语言，既摒弃了传统的形式主义，也摒弃了现代主义的抽象风格。斯特蒂海默的绘画风格发生了转变，她回归了为《四艺奥菲欧》设计的微型化、戏剧化和色彩丰富的风格。在斯特蒂海默的成熟作品中，每幅画布都像一个舞台，上面布满了易于辨认的家庭成员、朋友和熟人。她运用了杜尚所谓的“虚拟乘法”（连续叙事），手法极为精妙，其根源可追溯到俄罗斯芭蕾舞团以及亨利·柏格森和马塞尔·普鲁斯特关于时间和记忆的思想。
除了肖像画之外，斯特蒂海默的所有画作都以明亮、通常未经调和的原色为基调，衬以纯白的背景，并经常运用多种媒介。许多作品都包含大量细致入微、充满幽默感的细节。她画作的显著特点之一是辛辣的幽默，这种幽默体现在许多构图中的叙事性小细节中，例如《第五大道的大教堂》（1931年）中那个试图偷看新娘婚纱的小祭坛男孩。斯特蒂海默还在她的作品中融入了可辨识度极高的人物形象，这些人物围绕着真实的著名地点和细致入微、精准描绘的知名建筑而建。
20世纪20年代
阿斯伯里公园，1920年，布面油画
20世纪20年代是斯特蒂海默创作力最为旺盛的时期。她为男性朋友、自己和家人创作了许多个人肖像。与她同时代的文学家普鲁斯特和格特鲁德·斯坦因一样，斯特蒂海默的肖像画并非试图再现人物的容貌，而是通过描绘人物的习惯、职业、成就和所处环境等元素，展现其个性。例如，在她创作的《马塞尔·杜尚和罗丝·塞拉维肖像》中，她融入了杜尚的一些“现成品”以及他的女性化身罗丝·塞拉维的形象。芭芭拉·布洛明克认为，杜尚在曼·雷于1920-21年拍摄的著名照片中，以斯特蒂海默为原型塑造了罗丝·塞拉维这一形象。 这位艺术家还为她的姐妹和母亲分别画了肖像，以及一幅自画像，画中她戴着艺术家的贝雷帽，穿着透明玻璃纸包裹的袖子和红色翅膀披风，正漂浮向太阳。
斯特蒂海默还创作了几幅涉及争议性主题的巨幅作品，例如《阿斯伯里公园南》，这幅画描绘了非裔美国人在新泽西州一处著名的、实行种族隔离的海滩上享受阳光的场景。这幅画的特别之处在于，它是最早一批由美国白人艺术家创作的，画中黑人人物的特征与白人人物一样，没有丝毫夸张的漫画式特征。在《普莱西德湖》（1919年）中，斯特蒂海默描绘了她自己和来自不同宗教（包括犹太教和天主教）的朋友们在普莱西德湖畔享受美好时光的场景，而普莱西德湖正是以其制度化的反犹主义而闻名的地方。在《音乐》这幅画中，斯特蒂海默回忆起1912年她在巴黎观看的一场颇具争议的俄罗斯芭蕾舞团的首演，画中她梦见自己睡着了，梦见舞者尼金斯基足尖站立，拥有男女双重的身体。
20世纪30年代
在20世纪30年代，斯特蒂海默继续创作大型作品，其中一些作品越来越内省，并回归到她熟悉的家庭题材和场景。她每年生日都会创作一幅花卉静物画，她称之为“eyegay”，这是对“ nosegay ”（小花束）一词的谐音，也表达了她对艺术中任何“象征主义”的厌恶。在这十年间，她将大部分时间投入到歌剧《三幕四圣徒》的舞台设计和两幅大教堂主题画作的创作中。
大教堂壁画
从1929年开始，一直到20世纪40年代中期，斯特蒂海默创作了四幅名为“大教堂”的巨幅画作。她用这些画作纪念了她眼中纽约市主要的“世俗圣地”：时代广场和百老汇新兴的剧院和电影区；作为金融和政治中心的华尔街；第五大道的高档商店和社交场所；以及纽约三大艺术博物馆——现代艺术博物馆、大都会艺术博物馆和惠特尼美国艺术博物馆——之间的精英主义和内斗。她一直创作《艺术大教堂》系列画作，直到去世前几周仍在继续，至今仍未完成。这四幅画作均收藏于大都会艺术博物馆。
四位圣徒，三幕剧
1934年，美国第一部先锋歌剧《三幕四圣徒》在康涅狄格州哈特福德首演，场场爆满。该剧剧本由格特鲁德·斯坦因创作，音乐由维吉尔·汤姆森谱写。所有演员均为非裔美国人，其中许多人后来在音乐界取得了卓越的成就。斯特蒂海默负责舞台和服装设计。汤姆森在看到斯特蒂海默的画作（装裱在定制画框中）、与之相配的家具设计以及工作室的玻璃纸窗帘后，邀请她为这部歌剧进行设计。为了筹备演出，斯特蒂海默为每个角色制作了身着全套服装的玩偶。她还用小鞋盒为每个场景设计了布景。斯特蒂海默用多层玻璃纸覆盖了歌剧舞台的整个背景，用玻璃纸和羽毛制作了棕榈树，并复制了自己的家具来制作舞台布景。这部歌剧的评价褒贬不一，但斯特蒂默的服装和布景赢得了普遍赞誉。
女权主义
在二十多岁和三十多岁的时候，斯特蒂海默有过调情和恋爱经历，她的绘画、日记和诗歌都展现了她对男性身体的欣赏。然而，这些作品也表明她坚决反对婚姻，像许多女权主义者一样，她认为婚姻限制了女性的自由，阻碍了她们的创造力。这种观点在她的诗歌和日记中显而易见。
她穿着白色灯笼裤，这种裤子在当时只有女权主义者和妇女参政论者才会穿，也方便她们在大尺寸画布上作画。在欧洲期间，斯特蒂海默和她的姐妹们四处寻找以女权主义为主题、由女性演员出演的戏剧作品。在家族剪贴簿的传单中，有一份1896年在巴黎举行的第一届国际女权主义大会的会议记录。
1915年，45岁的斯特蒂海默创作了一幅真人大小的裸体自画像《模特（裸体自画像）》。这幅画融合了以往一些颇具争议的裸体画作的元素，例如马奈的《妓女奥林匹亚》和戈雅的《裸体的玛雅》 。斯特蒂海默的这幅裸体自画像 是西方艺术史上最早的女性裸体自画像之一。画中，斯特蒂海默手持一束鲜花，遮住了她明显描绘的阴毛。她幽默而嘲讽的表情与传统的裸体画作形成了鲜明的对比，使其成为迄今为止已知最早的公开的女权主义女性裸体自画像。 她还创作了一些以女性为主题的、不同寻常的作品，例如她1921年的巨幅作品《本德尔百货春季促销》，在这幅画中，她以幽默的方式描绘了身材各异的富裕女性在一家高档百货商店试穿衣服的场景；或者《水仙女游泳馆》，描绘了裸体女性骑在浮板上或在半个牡蛎壳上游泳的场景。在右侧，与传统题材截然相反，一群女性围绕着一位英俊的男性健身教练跳舞，她们欣赏他的外表。
诗
斯特蒂海默将诗歌写在小纸片上，由她的妹妹艾蒂收集并私下出版。她的一些诗作风格稚拙，一些则诙谐地批判社会，还有一些讽刺地描绘了其他现代主义者，例如格特鲁德·斯坦因（“格蒂”）和马塞尔·杜尚（“杜尚”）。她的诗歌展现了对当代消费文化的敏锐洞察，并对婚姻进行了尖锐的批判，例如她献给玛丽·斯特纳的诗。玛丽·斯特纳是一位纽约画廊主，曾为她在克诺德勒画廊策划展览。诗中写道：“她本想成为一名音乐家/但阿尔伯特娶了她。” 斯特蒂海默的诗作在她去世后被汇编成《水晶花》，由她的妹妹艾蒂收集编辑，并于1949年以限量版私下出版，艾蒂将这本诗集寄给了她的家人和朋友。
2010年，加梅尔和泽拉佐重新出版了斯特蒂海默的诗歌和她早期的芭蕾舞剧剧本，并指出，在斯特蒂海默的“笔下和舌尖，表面即是深度”。他们继续写道：“仔细审视这些诗歌，会发现同样闪耀的表面和光滑的保护层”，这与她的绘画作品中的情况类似。加梅尔和泽拉佐认为，斯特蒂海默的作品中蕴含着一种“人为的语法……旨在培养读者对审美视角的敏锐感知”，以及一种“玻璃纸美学”，这种极具现代感的材料被她用来装饰舞台和卧室，有时还会与老式蕾丝混搭。
死亡
1944年5月11日，斯特蒂海默因癌症在纽约医院去世。她的姐妹艾蒂和凯莉（凯莉几周后意外去世）以及律师约瑟夫·所罗门每天都陪伴在她身边。与其他葬于家族墓地的家人不同，斯特蒂海默要求火葬。几年后，艾蒂和所罗门在哈德逊河上乘船游览时，将她的骨灰撒入大海。多年来，斯特蒂海默一直希望将她所有的作品作为一个整体捐赠给博物馆。然而，她意识到找到一家愿意接收全部作品的博物馆可能过于困难，于是修改了遗嘱，要求她的姐妹们“遵照她的意愿”，不要出售她的作品，而是捐赠给全国各地的博物馆。埃蒂将这项任务交给了所罗门和斯特蒂海默的朋友们，他们将斯特蒂海默的画作捐赠给了美国的大多数主要艺术博物馆，包括将大教堂的画作捐赠给了大都会艺术博物馆。
得知斯特蒂海默去世的消息后，杜尚从法国写信给埃蒂，询问他是否可以组织一场斯特蒂海默绘画作品的回顾展。这场展览是纽约现代艺术博物馆举办的首个女性艺术家完整回顾展，展览图录中收录了斯特蒂海默的朋友、艺术评论家亨利·麦克布莱德撰写的文章。在纽约展出之后，斯特蒂海默回顾展又巡展至旧金山荣誉军团博物馆和芝加哥艺术俱乐部。
遗产
在她的一生中，包括朱利安·利维和阿尔弗雷德·斯蒂格利茨在内的纽约画廊主都曾邀请斯特蒂海默加入他们的画廊。尽管她也曾在一些零售画廊举办展览，并且经常被邀请出售作品，但她将每幅画的价格定在相当于数十万美元的水平，以至于无人能够负担得起。正如麦克布莱德所指出的，“她过去常常笑着说，她自己很喜欢这些画，更愿意把它们留给自己。与此同时，她也确实会把作品借给公共展览。” 斯特蒂海默不愿出售画作，并将价格定得远超市场承受能力，这反映了她在男性主导的艺术世界中对艺术独立的渴望。她独特的风格，融合了奇思妙想和社会评论，后来被认为是超越时代的，也是后来女权主义和酷儿艺术运动的先驱。
自1919年起，斯特蒂海默几乎在所有重要的当代艺术展览中都提交或受邀展出画作。这些展览包括首届惠特尼双年展、一些最早的群展、纽约现代艺术博物馆展览、卡内基国际展览以及巴黎秋季沙龙。她总共参加了超过46场展览，其色彩鲜艳的大幅作品通常受到艺术评论家的赞誉。到了20世纪30年代，她已成为纽约第二位最知名的女艺术家，仅次于乔治亚·欧姬芙。在她去世后，《时尚芭莎》杂志刊登了卡尔·范·维克滕的文章，文中写道，斯特蒂海默“既是她那个时代的史学家，又是评论家，她用绚丽的色彩和自信的构图，向我们讲述了第一次世界大战后那些奇特岁月里纽约人的生活，她的绘画技法在当时乃至今天都鲜有匹敌。”
20世纪40年代末，弗洛琳·斯特蒂海默去世后，她的作品被捐赠给艺术博物馆。然而，当时的艺术品味已转向抽象表现主义，她的画作往往得不到展出。此外，由于她的画作既不在画廊出售，也不在拍卖会上出售，因此缺乏宣传，她的名字和作品也鲜为人知。帕克·泰勒的传记《弗洛琳·斯特蒂海默：艺术人生》于1963年出版。 20世纪70年代，以琳达·诺克林为代表的女性主义艺术史学家重新关注斯特蒂海默的作品。 1995年，随着惠特尼美国艺术博物馆举办她的作品回顾展以及芭芭拉·布洛明克所著的《弗洛琳·斯特蒂海默的生平与艺术》 的出版，斯特蒂海默再次受到关注。从那时起，她的作品影响了许多当代女性和同性恋艺术家，他们被她女性化的视角和装饰性的戏剧风格所吸引。
自2015年慕尼黑伦巴赫美术馆举办斯特蒂海默在欧洲的首次回顾展以来，她的作品已在美国众多展览中展出，她作为早期女性主义艺术家的重要地位及其对当代艺术家的广泛影响也得到了更充分的认可。《艺术新闻》 （ARTnews ）执行主编安德鲁·鲁塞斯指出，斯特蒂海默的画作“优雅地证明了她是20世纪最伟大的艺术家之一，并且可以作为21世纪艺术家的有益典范。”
评论界反响
在斯特蒂海默生前，她的作品曾多次被评论家提及并给予好评，评论家们在评论她的作品时也对她的作品赞誉有加。作家兼摄影师卡尔·范·维克滕和画家马斯登·哈特利也对她的作品给予了高度评价。范·维克滕将她的作品与查尔斯·德穆斯的作品进行对比，并写道，斯特蒂海默的作品具有非常现代的特质：“冒着被误解的风险，我必须称这种特质为爵士乐。” 哈特利则赞扬了她“细腻的讽刺和闪耀的智慧”。在她们的文章《玻璃纸包裹：弗洛琳·斯特蒂海默的视觉诗学》中，艾琳·加梅尔和苏珊娜·泽拉佐回顾了学者和传记作家们对斯特蒂海默独特的现代主义感性的各种观点，这种感性的奇思妙想似乎与主流现代主义者截然不同。她们写道：
斯特蒂海默的作品毫不掩饰地展现了家庭生活和极致的女性特质，曾被描述为“伪天真”，沉迷于简化的形状和野兽派式的色彩（塔瑟姆）；“洛可可式的颠覆”，拥抱一种坎普式的感性（诺克林）；以及“时间现代主义”，受到柏格森关于时间是异质的“杜蕾”概念的影响，使斯特蒂海默与马塞尔·普鲁斯特和其他文学现代主义者联系起来（布洛明克）。
施特蒂海默的绘画作品代表了一种融合多种艺术形式的国际现代主义风格，如同她的诗歌一样，充满了感官和情感的张力。由于她拒绝加入任何一家知名的艺术画廊，例如斯蒂格利茨的“团体”，也拒绝归属于任何特定的艺术风格，例如达达主义或抽象艺术，因此施特蒂海默的作品始终被视为她独树一帜的风格。她独特的女性风格和自觉的女性视角，使她的作品与20世纪60年代和70年代以男性为主导的抽象表现主义和极简主义的评论界口味截然相反。
生卒日期： 1871年8月19日 - 1944年5月11日
国籍：美国
弗洛琳·斯特蒂海默的全部作品（65）
弗洛琳·斯特蒂海默（Florine Stettheimer）是一位美国 现代主义画家、女权主义者、戏剧设计师、诗人和沙龙女主人。
斯特蒂海默发展出一种女性化的戏剧化绘画风格，描绘她在纽约的朋友、家人和生活经历。她创作了第一幅女性主义裸体自画像，以及描绘种族和性取向争议的画作。她和她的姐妹们主持了一个沙龙，吸引了众多先锋派人士。 20世纪30年代中期，斯特蒂海默为格特鲁德·斯坦和维吉尔·汤姆森的先锋派歌剧《三幕四圣》设计了舞台布景和服装。她最著名的作品是四幅巨幅画作，描绘了她眼中的纽约“大教堂”：百老汇、华尔街、第五大道以及纽约的三大艺术博物馆。
斯特蒂海默生前曾在纽约和巴黎的40多个博物馆和沙龙举办过画展。1938年，纽约现代艺术博物馆将首个美国艺术展送往欧洲，斯特蒂海默和乔治亚·欧姬芙是仅有的两位参展的女性艺术家。 1944年斯特蒂海默去世后，她的朋友马塞尔·杜尚于1946年在纽约现代艺术博物馆策划了她的回顾展。这是该博物馆首次举办女性艺术家的回顾展。斯特蒂海默去世后，她的画作被捐赠给了美国各地的博物馆。除了大量的绘画作品、服装和舞台设计外，斯特蒂海默还为自己的画作设计定制画框和配套家具，并创作幽默诙谐、常常辛辣讽刺的诗歌。她的诗集《水晶之花》（Crystal Flowers）于1949年由她的妹妹埃蒂·斯特蒂海默私下出版，作为她的遗作。
早年生活和教育
弗洛琳·斯特蒂海默于1871年8月19日出生于纽约州罗切斯特。 她的母亲罗塞塔·沃尔特是纽约一个富裕的德裔犹太家庭的九个女儿之一。斯特蒂海默的父亲约瑟夫与罗塞塔·沃尔特育有五个孩子，但他抛弃家庭前往澳大利亚。斯特蒂海默在一个母系家庭中长大，成长于纽约市和欧洲之间。在斯特蒂海默十岁时，罗塞塔和她的五个孩子每年都会在欧洲居住一段时间。到19世纪90年代初，罗塞塔的两个孩子斯特拉和沃尔特已经结婚并离开了家。排行第二的卡罗琳（凯莉）、弗洛琳和最小的亨丽埃塔（埃蒂）与母亲建立了亲密的联系，直到她于1935年去世。
施特蒂海默自幼便展现出艺术天赋。1881年至1886年，在她十岁到十五岁期间，就读于斯图加特的普里泽学院（Priesersches Institut），这是一所女子寄宿学校。她师从校长索菲·冯·普里泽（Sophie von Prieser）学习艺术。1887年至1889年，施特蒂海默一家居住在柏林，在那里她继续接受私人绘画课程。 她经常与母亲凯莉（Carrie）和女儿埃蒂（Ettie）一起游历欧洲，通过参观意大利、法国、西班牙和德国的博物馆和美术馆自学艺术史。她研究古典大师的作品，并在日记中对他们的作品进行评论，同时继续学习酪蛋白等媒介的绘画技巧。
1892年，斯特蒂海默进入纽约艺术学生联盟（Art Students League ）学习，这是一所仿照巴黎私立艺术院校模式的四年制课程。 在德国期间，她学习了德国学院派绘画风格。在纽约艺术学生联盟，她师从肯扬·考克斯（Kenyon Cox）、哈里·西登斯·莫布雷（Harry Siddons Mowbray ）和詹姆斯·卡罗尔·贝克威斯（James Carroll Beckwith）等老师，他们都曾在巴黎学习过法国学院派绘画。 毕业时，她已精通两种主要欧洲风格的写实、传统、学院派肖像画和裸体画。
回到欧洲后，斯特蒂海默参观了博物馆藏品、当代沙龙展览和艺术家工作室。早在军械库展览（美国首个大型现代艺术展）举办数年前，她就欣赏到了立体主义画家、塞尚、马奈、梵高、莫里索和马蒂斯的作品。她尝试了各种媒介和风格，从象征主义和野兽派到点彩派，并取得了不同程度的成功，最终创作出一系列作品，这些作品让人联想起马蒂斯的《奢华、宁静与愉悦》。
早期歌剧舞台设计
1912年，谢尔盖·迪亚吉列夫的 俄罗斯芭蕾舞团在巴黎的演出对斯特蒂海默的绘画产生了关键影响。她被俄罗斯芭蕾舞团的舞台呈现和编舞深深吸引，并为自己创作了一部歌剧《四艺奥菲欧》（Orphée des Quat'z Arts ），包括剧本、服装和布景。她的剧本取材于一年一度的艺术学生舞会“四艺舞会”（ Bal des Quat'z'Arts）。最终的模型，其人物身着由精细缝制和珠饰材料制成的服装，展现出戏剧化、活跃、舞蹈般的动作和鲜明的个性，预示着她1917年成熟的绘画风格。在创作《四艺奥菲欧》的同时，她仍然创作传统的风景画和肖像画。
在《奥菲欧》中，许多女性形象都穿着一种新发明的透明材料：玻璃纸。玻璃纸的使用成为她室内设计的标志，并在二十年后，被用于歌剧《三幕四圣徒》的舞台布景。 《四艺奥菲欧》从未上演过。其剧本全文发表于传记作家芭芭拉·布洛明克的《弗洛琳·斯特蒂海默的生平与艺术》以及2010年再版的《水晶之花》中。
回到纽约，回到斯特蒂海默沙龙
1914年，第一次世界大战爆发，斯特蒂海默一家滞留在瑞士伯尔尼，最终乘船前往纽约。回到纽约港后，斯特蒂海默决定放弃传统的学院派训练，创造一种新的绘画风格，捕捉她看到20世纪纽约市的景象、声音和人物时所感受到的直接而富有表现力的情感。斯特蒂海默家的四位女性搬进了曼哈顿西76街的一间公寓，开始举办沙龙，邀请近期移居纽约的艺术家，如马塞尔·杜尚、阿尔伯特·格莱兹和弗朗西斯·皮卡比亚，以及阿尔弗雷德·斯蒂格利茨圈子的成员，如马斯登·哈特利和乔治亚·欧姬芙，还有其他音乐家、作家、诗人、舞蹈家和纽约前卫艺术界的成员。
斯特蒂海默沙龙的一个独特之处在于，尽管当时纽约非异性恋关系属于违法行为，但其众多同性恋、双性恋和女同性恋朋友和熟人无需像在其他沙龙（例如阿伦斯堡沙龙）那样在聚会上掩饰自己的性取向。 斯特蒂海默经常在沙龙上向朋友们预览她的最新画作，例如她的画作《晚会》（1917-1919），然后再将作品送去展览。斯特蒂海默的姐姐凯莉会为沙龙特制鸡尾酒和菜肴，例如羽毛汤。夏季，斯特蒂海默一家经常在租来的避暑别墅里为朋友们举办持续一整天的沙龙式派对。斯特蒂海默创作了许多描绘家人和朋友享受户外庆祝活动的画作，包括《乡村的星期天下午》（1917）。
成熟的绘画风格
斯特蒂海默一生只举办过一次个展，即1916年在克诺德勒画廊举办的展览。 展览由画家阿尔伯特·斯特纳的妻子玛丽·斯特纳策划，她是美国最早的女性画廊主之一。玛丽在克诺德勒画廊工作，并担任艺术家与画廊之间的中间人。展览展出了艺术家早期受马蒂斯影响的多幅作品，这些作品以明亮纯净的色彩、厚重的颜料堆积和粗犷的轮廓为特色。 由于作品全部售出，正如她的朋友、艺术评论家亨利·麦克布莱德所指出的那样，她“隐隐感到不满”。在接下来的一年里，斯特蒂海默的风格演变为一种独特的视觉语言，既摒弃了传统的形式主义，也摒弃了现代主义的抽象风格。斯特蒂海默的绘画风格发生了转变，她回归了为《四艺奥菲欧》设计的微型化、戏剧化和色彩丰富的风格。在斯特蒂海默的成熟作品中，每幅画布都像一个舞台，上面布满了易于辨认的家庭成员、朋友和熟人。她运用了杜尚所谓的“虚拟乘法”（连续叙事），手法极为精妙，其根源可追溯到俄罗斯芭蕾舞团以及亨利·柏格森和马塞尔·普鲁斯特关于时间和记忆的思想。
除了肖像画之外，斯特蒂海默的所有画作都以明亮、通常未经调和的原色为基调，衬以纯白的背景，并经常运用多种媒介。许多作品都包含大量细致入微、充满幽默感的细节。她画作的显著特点之一是辛辣的幽默，这种幽默体现在许多构图中的叙事性小细节中，例如《第五大道的大教堂》（1931年）中那个试图偷看新娘婚纱的小祭坛男孩。斯特蒂海默还在她的作品中融入了可辨识度极高的人物形象，这些人物围绕着真实的著名地点和细致入微、精准描绘的知名建筑而建。
20世纪20年代
阿斯伯里公园，1920年，布面油画
20世纪20年代是斯特蒂海默创作力最为旺盛的时期。她为男性朋友、自己和家人创作了许多个人肖像。与她同时代的文学家普鲁斯特和格特鲁德·斯坦因一样，斯特蒂海默的肖像画并非试图再现人物的容貌，而是通过描绘人物的习惯、职业、成就和所处环境等元素，展现其个性。例如，在她创作的《马塞尔·杜尚和罗丝·塞拉维肖像》中，她融入了杜尚的一些“现成品”以及他的女性化身罗丝·塞拉维的形象。芭芭拉·布洛明克认为，杜尚在曼·雷于1920-21年拍摄的著名照片中，以斯特蒂海默为原型塑造了罗丝·塞拉维这一形象。 这位艺术家还为她的姐妹和母亲分别画了肖像，以及一幅自画像，画中她戴着艺术家的贝雷帽，穿着透明玻璃纸包裹的袖子和红色翅膀披风，正漂浮向太阳。
斯特蒂海默还创作了几幅涉及争议性主题的巨幅作品，例如《阿斯伯里公园南》，这幅画描绘了非裔美国人在新泽西州一处著名的、实行种族隔离的海滩上享受阳光的场景。这幅画的特别之处在于，它是最早一批由美国白人艺术家创作的，画中黑人人物的特征与白人人物一样，没有丝毫夸张的漫画式特征。在《普莱西德湖》（1919年）中，斯特蒂海默描绘了她自己和来自不同宗教（包括犹太教和天主教）的朋友们在普莱西德湖畔享受美好时光的场景，而普莱西德湖正是以其制度化的反犹主义而闻名的地方。在《音乐》这幅画中，斯特蒂海默回忆起1912年她在巴黎观看的一场颇具争议的俄罗斯芭蕾舞团的首演，画中她梦见自己睡着了，梦见舞者尼金斯基足尖站立，拥有男女双重的身体。
20世纪30年代
在20世纪30年代，斯特蒂海默继续创作大型作品，其中一些作品越来越内省，并回归到她熟悉的家庭题材和场景。她每年生日都会创作一幅花卉静物画，她称之为“eyegay”，这是对“ nosegay ”（小花束）一词的谐音，也表达了她对艺术中任何“象征主义”的厌恶。在这十年间，她将大部分时间投入到歌剧《三幕四圣徒》的舞台设计和两幅大教堂主题画作的创作中。
大教堂壁画
从1929年开始，一直到20世纪40年代中期，斯特蒂海默创作了四幅名为“大教堂”的巨幅画作。她用这些画作纪念了她眼中纽约市主要的“世俗圣地”：时代广场和百老汇新兴的剧院和电影区；作为金融和政治中心的华尔街；第五大道的高档商店和社交场所；以及纽约三大艺术博物馆——现代艺术博物馆、大都会艺术博物馆和惠特尼美国艺术博物馆——之间的精英主义和内斗。她一直创作《艺术大教堂》系列画作，直到去世前几周仍在继续，至今仍未完成。这四幅画作均收藏于大都会艺术博物馆。
四位圣徒，三幕剧
1934年，美国第一部先锋歌剧《三幕四圣徒》在康涅狄格州哈特福德首演，场场爆满。该剧剧本由格特鲁德·斯坦因创作，音乐由维吉尔·汤姆森谱写。所有演员均为非裔美国人，其中许多人后来在音乐界取得了卓越的成就。斯特蒂海默负责舞台和服装设计。汤姆森在看到斯特蒂海默的画作（装裱在定制画框中）、与之相配的家具设计以及工作室的玻璃纸窗帘后，邀请她为这部歌剧进行设计。为了筹备演出，斯特蒂海默为每个角色制作了身着全套服装的玩偶。她还用小鞋盒为每个场景设计了布景。斯特蒂海默用多层玻璃纸覆盖了歌剧舞台的整个背景，用玻璃纸和羽毛制作了棕榈树，并复制了自己的家具来制作舞台布景。这部歌剧的评价褒贬不一，但斯特蒂默的服装和布景赢得了普遍赞誉。
女权主义
在二十多岁和三十多岁的时候，斯特蒂海默有过调情和恋爱经历，她的绘画、日记和诗歌都展现了她对男性身体的欣赏。然而，这些作品也表明她坚决反对婚姻，像许多女权主义者一样，她认为婚姻限制了女性的自由，阻碍了她们的创造力。这种观点在她的诗歌和日记中显而易见。
她穿着白色灯笼裤，这种裤子在当时只有女权主义者和妇女参政论者才会穿，也方便她们在大尺寸画布上作画。在欧洲期间，斯特蒂海默和她的姐妹们四处寻找以女权主义为主题、由女性演员出演的戏剧作品。在家族剪贴簿的传单中，有一份1896年在巴黎举行的第一届国际女权主义大会的会议记录。
1915年，45岁的斯特蒂海默创作了一幅真人大小的裸体自画像《模特（裸体自画像）》。这幅画融合了以往一些颇具争议的裸体画作的元素，例如马奈的《妓女奥林匹亚》和戈雅的《裸体的玛雅》 。斯特蒂海默的这幅裸体自画像 是西方艺术史上最早的女性裸体自画像之一。画中，斯特蒂海默手持一束鲜花，遮住了她明显描绘的阴毛。她幽默而嘲讽的表情与传统的裸体画作形成了鲜明的对比，使其成为迄今为止已知最早的公开的女权主义女性裸体自画像。 她还创作了一些以女性为主题的、不同寻常的作品，例如她1921年的巨幅作品《本德尔百货春季促销》，在这幅画中，她以幽默的方式描绘了身材各异的富裕女性在一家高档百货商店试穿衣服的场景；或者《水仙女游泳馆》，描绘了裸体女性骑在浮板上或在半个牡蛎壳上游泳的场景。在右侧，与传统题材截然相反，一群女性围绕着一位英俊的男性健身教练跳舞，她们欣赏他的外表。
诗
斯特蒂海默将诗歌写在小纸片上，由她的妹妹艾蒂收集并私下出版。她的一些诗作风格稚拙，一些则诙谐地批判社会，还有一些讽刺地描绘了其他现代主义者，例如格特鲁德·斯坦因（“格蒂”）和马塞尔·杜尚（“杜尚”）。她的诗歌展现了对当代消费文化的敏锐洞察，并对婚姻进行了尖锐的批判，例如她献给玛丽·斯特纳的诗。玛丽·斯特纳是一位纽约画廊主，曾为她在克诺德勒画廊策划展览。诗中写道：“她本想成为一名音乐家/但阿尔伯特娶了她。” 斯特蒂海默的诗作在她去世后被汇编成《水晶花》，由她的妹妹艾蒂收集编辑，并于1949年以限量版私下出版，艾蒂将这本诗集寄给了她的家人和朋友。
2010年，加梅尔和泽拉佐重新出版了斯特蒂海默的诗歌和她早期的芭蕾舞剧剧本，并指出，在斯特蒂海默的“笔下和舌尖，表面即是深度”。他们继续写道：“仔细审视这些诗歌，会发现同样闪耀的表面和光滑的保护层”，这与她的绘画作品中的情况类似。加梅尔和泽拉佐认为，斯特蒂海默的作品中蕴含着一种“人为的语法……旨在培养读者对审美视角的敏锐感知”，以及一种“玻璃纸美学”，这种极具现代感的材料被她用来装饰舞台和卧室，有时还会与老式蕾丝混搭。
死亡
1944年5月11日，斯特蒂海默因癌症在纽约医院去世。她的姐妹艾蒂和凯莉（凯莉几周后意外去世）以及律师约瑟夫·所罗门每天都陪伴在她身边。与其他葬于家族墓地的家人不同，斯特蒂海默要求火葬。几年后，艾蒂和所罗门在哈德逊河上乘船游览时，将她的骨灰撒入大海。多年来，斯特蒂海默一直希望将她所有的作品作为一个整体捐赠给博物馆。然而，她意识到找到一家愿意接收全部作品的博物馆可能过于困难，于是修改了遗嘱，要求她的姐妹们“遵照她的意愿”，不要出售她的作品，而是捐赠给全国各地的博物馆。埃蒂将这项任务交给了所罗门和斯特蒂海默的朋友们，他们将斯特蒂海默的画作捐赠给了美国的大多数主要艺术博物馆，包括将大教堂的画作捐赠给了大都会艺术博物馆。
得知斯特蒂海默去世的消息后，杜尚从法国写信给埃蒂，询问他是否可以组织一场斯特蒂海默绘画作品的回顾展。这场展览是纽约现代艺术博物馆举办的首个女性艺术家完整回顾展，展览图录中收录了斯特蒂海默的朋友、艺术评论家亨利·麦克布莱德撰写的文章。在纽约展出之后，斯特蒂海默回顾展又巡展至旧金山荣誉军团博物馆和芝加哥艺术俱乐部。
遗产
在她的一生中，包括朱利安·利维和阿尔弗雷德·斯蒂格利茨在内的纽约画廊主都曾邀请斯特蒂海默加入他们的画廊。尽管她也曾在一些零售画廊举办展览，并且经常被邀请出售作品，但她将每幅画的价格定在相当于数十万美元的水平，以至于无人能够负担得起。正如麦克布莱德所指出的，“她过去常常笑着说，她自己很喜欢这些画，更愿意把它们留给自己。与此同时，她也确实会把作品借给公共展览。” 斯特蒂海默不愿出售画作，并将价格定得远超市场承受能力，这反映了她在男性主导的艺术世界中对艺术独立的渴望。她独特的风格，融合了奇思妙想和社会评论，后来被认为是超越时代的，也是后来女权主义和酷儿艺术运动的先驱。
自1919年起，斯特蒂海默几乎在所有重要的当代艺术展览中都提交或受邀展出画作。这些展览包括首届惠特尼双年展、一些最早的群展、纽约现代艺术博物馆展览、卡内基国际展览以及巴黎秋季沙龙。她总共参加了超过46场展览，其色彩鲜艳的大幅作品通常受到艺术评论家的赞誉。到了20世纪30年代，她已成为纽约第二位最知名的女艺术家，仅次于乔治亚·欧姬芙。在她去世后，《时尚芭莎》杂志刊登了卡尔·范·维克滕的文章，文中写道，斯特蒂海默“既是她那个时代的史学家，又是评论家，她用绚丽的色彩和自信的构图，向我们讲述了第一次世界大战后那些奇特岁月里纽约人的生活，她的绘画技法在当时乃至今天都鲜有匹敌。”
20世纪40年代末，弗洛琳·斯特蒂海默去世后，她的作品被捐赠给艺术博物馆。然而，当时的艺术品味已转向抽象表现主义，她的画作往往得不到展出。此外，由于她的画作既不在画廊出售，也不在拍卖会上出售，因此缺乏宣传，她的名字和作品也鲜为人知。帕克·泰勒的传记《弗洛琳·斯特蒂海默：艺术人生》于1963年出版。 20世纪70年代，以琳达·诺克林为代表的女性主义艺术史学家重新关注斯特蒂海默的作品。 1995年，随着惠特尼美国艺术博物馆举办她的作品回顾展以及芭芭拉·布洛明克所著的《弗洛琳·斯特蒂海默的生平与艺术》 的出版，斯特蒂海默再次受到关注。从那时起，她的作品影响了许多当代女性和同性恋艺术家，他们被她女性化的视角和装饰性的戏剧风格所吸引。
自2015年慕尼黑伦巴赫美术馆举办斯特蒂海默在欧洲的首次回顾展以来，她的作品已在美国众多展览中展出，她作为早期女性主义艺术家的重要地位及其对当代艺术家的广泛影响也得到了更充分的认可。《艺术新闻》 （ARTnews ）执行主编安德鲁·鲁塞斯指出，斯特蒂海默的画作“优雅地证明了她是20世纪最伟大的艺术家之一，并且可以作为21世纪艺术家的有益典范。”
评论界反响
在斯特蒂海默生前，她的作品曾多次被评论家提及并给予好评，评论家们在评论她的作品时也对她的作品赞誉有加。作家兼摄影师卡尔·范·维克滕和画家马斯登·哈特利也对她的作品给予了高度评价。范·维克滕将她的作品与查尔斯·德穆斯的作品进行对比，并写道，斯特蒂海默的作品具有非常现代的特质：“冒着被误解的风险，我必须称这种特质为爵士乐。” 哈特利则赞扬了她“细腻的讽刺和闪耀的智慧”。在她们的文章《玻璃纸包裹：弗洛琳·斯特蒂海默的视觉诗学》中，艾琳·加梅尔和苏珊娜·泽拉佐回顾了学者和传记作家们对斯特蒂海默独特的现代主义感性的各种观点，这种感性的奇思妙想似乎与主流现代主义者截然不同。她们写道：
斯特蒂海默的作品毫不掩饰地展现了家庭生活和极致的女性特质，曾被描述为“伪天真”，沉迷于简化的形状和野兽派式的色彩（塔瑟姆）；“洛可可式的颠覆”，拥抱一种坎普式的感性（诺克林）；以及“时间现代主义”，受到柏格森关于时间是异质的“杜蕾”概念的影响，使斯特蒂海默与马塞尔·普鲁斯特和其他文学现代主义者联系起来（布洛明克）。
施特蒂海默的绘画作品代表了一种融合多种艺术形式的国际现代主义风格，如同她的诗歌一样，充满了感官和情感的张力。由于她拒绝加入任何一家知名的艺术画廊，例如斯蒂格利茨的“团体”，也拒绝归属于任何特定的艺术风格，例如达达主义或抽象艺术，因此施特蒂海默的作品始终被视为她独树一帜的风格。她独特的女性风格和自觉的女性视角，使她的作品与20世纪60年代和70年代以男性为主导的抽象表现主义和极简主义的评论界口味截然相反。
